Vampiros, lectura y récords para festejar al libro en América Latina


Decenas de actividades en la región han sido convocadas para este 23 de abril.

Latinoamérica participa en el Día Internacional del Libro con actividades a lo largo del continente. Desde la lectura colectiva que organiza la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), que este año ha elegido Drácula de Bram Stoker hasta sendas citas literarias en Bogotá y Buenos Aires, la América hispanohablante celebra Sant Jordi con un estilo especial. Chile, el país de origen de Nicanor Parra, premio Cervantes 2012, lanza a su vez una ambiciosa campaña para promover la lectura.

En México la Universidad Nacional Autónoma de México organiza representaciones teatrales gratuitas en varias ciudades del interior del país. En la capital, el Fondo de Cultura Económica convoca a un rally Cómo leer en bicicleta: un recorrido en bici por las librerías de la editorial. Coyoacán, además, convoca el Primer Festival Internacional de Prosa y Poesía, un evento a puertas abiertas donde participan el autor sirio Adonis, el poeta argentino Juan Gelman y el escritor español Luis García Montero, entre muchos otros. Otro barrio de la ciudad de México, Iztapalapa, busca romper el récord mundial de lectura ininterrumpida: los vecinos comenzaron a leer desde el 9 de abril. El objetivo es cumplir 400 horas de lectura ininterrumpida. En Guadalajara, la segunda ciudad del país, la Feria Internacional del Libro (la mayor en el mundo de habla hispana) convoca a más de 158 en 18 ciudades a participar en la lectura colectiva de Drácula de Bram Stoker.

En el país de Nicanor Parra, Chile, el Gobierno de Sebastián Piñera ha aprovechado para lanzar la campaña Lee, Chile, lee. Así mismo, el Museo Histórico Nacional de Santiago rendirá un homenaje al poeta con conferencias y lecturas sobre su obra. En Colombia, la Feria Internacional del Libro de Bogotá comienza este lunes con Brasil como país invitado. Para este Día del Libro, además, está convocada una lectura colectiva en homenaje del escritor Rafael Pombo.

Mientras, en Argentina se celebra la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires hasta el 7 de mayo, con Carlos Fuentes, David Grossman y Eduardo Galeano como protagonistas. Para este 23 de abril, la cita ha previsto un maratón de lectura en un recorrido de textos sobre “viajes a lugares imaginarios” durante tres horas, donde participarán el actor Nicolás Pauls y el cineasta Daniel Burman, entre otros. Otra cita literaria es la colombiana: el lunes, en Bogotá, comienza su propia Feria del Libro, con Brasil como país homenajeado. La capital dominicana, Santo Domingo, también celebra su 15 edición, con Centroamérica como  la región invitada.

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“No he superado la timidez”


La cantante Anni B.Sweet estrenará nuevo disco el próximo martes 24.

‘Oh, Monsters!’ es el título de su segundo trabajo.

Han pasado tres años desde que a Ana López le cambió de golpe la vida. Entonces, la veinteañera estudiaba Arquitectura en Madrid y disfrutaba de su pasión, la música, componiendo en un inglés académico logrado en la infancia y con apariciones en los open mic —actuaciones gratuitas de músicos noveles— en pequeños locales de la capital. Su voz cristalina y sus historias cantadas con su inseparable guitarra pronto obtuvieron una legión de incondicionales, sobre todo en Internet, donde subió sus primeros temas. Momento en que el sello Subterfuge le propuso grabar su primer disco, Start, restart, undo(2009), con el que Ana López dejó paso a Anni B. Sweet, la sensaciónindie del momento.

“Fue una locura”, recuerda Anni B. Sweet desde su casa de Madrid, ciudad en la que ha fijado su residencia por motivos de logística. “Tuve que dejar la carrera, porque tanto Arquitectura como la música son dos dedicaciones muy egoístas y, al final, escogí la música”, añade.

Temas como Take on me, A sarcastic hello o Motorway fueron todo un éxito, lo que le llevó a dejar los pequeños locales de Madrid para recorrer toda España e iniciar una gira por tres continentes. “Fue todo inesperado. Estaba estudiando y de repente me vi actuando en México, Japón, Argentina, Alemania… Fue un choque muy fuerte”, afirma la cantante malagueña, cuyo primer trabajo se publicó en 11 países.

Ahora, con 24 años y mucha más experiencia, Anni B.Sweet se prepara para asaltar los escenarios de nuevo. El próximo martes 24 sale a la venta su segundo trabajo Oh, Monsters!, cuyo primer single, At home, ha sido muy bien acogido en iTunes.

Son 14 temas que conservan el encanto melódico de sus anteriores creaciones pero que se adentran en un mundo de estilos más variados, ricos en detalles y atmósferas nuevas en los que Anni B. Sweet sorprende con arreglos electrónicos o potentes guitarras.

“No he dejado de componer en estos tres años y las canciones corresponden a cada una de las etapas que he vivido en este tiempo tan extraño”, cuenta sobre su nuevo trabajo en el que, asegura, ha sacado fuera todos los miedos que la atenazan. “El mismo título, Oh, Monsters!,hace referencia a esos pequeños monstruitos que me rondaban. Habla de los miedos que tengo, todas esas cosas nuevas vividas, los cambios que te llegan sin saber cómo reaccionar, el hacerse mayor, las inseguridades… Además, el sonido oscuro de algunos temas también representa bien este nombre”, explica la artista, quien pese a volver a grabar todo el disco en inglés anda inmersa en un próximo trabajo donde cantará en español. “Siempre he compuesto en castellano, pero nunca me había atrevido”, dice sobre este otro “monstruito” que también le rondaba.

Antes, Anni B. Sweet volverá a subirse al escenario, su medio natural pero también otra de sus aprensiones. “Hace un año y medio que no toco en España y estoy algo nerviosa. No he logrado superar aún la timidez cuando subo al escenario. Me sigue entrando pánico escénico”, reconoce la cantante, que el próximo sábado 28 actuará en el Festival de Málaga Cine Español, cita con la que arranca la gira de presentación por el país de Oh, Monsters!

Rihanna se lanza al Rock in Río


La estrella de Barbados es la última en confirmar su presencia en el festival madrileño, en el que también participan David Guetta o Red Hot Chilli Peppers.

A Maná, David Guetta, y los Red Hot Chilli Peppers les ha salido competencia de armas tomar. Los cabezas de cartel de la próxima edición de Rock in Río, el festival bianual que se celebrará entre el 29 y 30 de junio y del 5 al 7 de julio en Madrid, compartirán protagonismo con Rihanna, la última megaestrella en confirmar su presencia. La barbadense, que ya visitó España el pasado mes de diciembre con su gira Loud, actuará en el Escenario Mundo el 5 de julio. Su espectáculo cerrará la sesión precedido por Swedish House Mafia y Calvin Harris, dos de las apuestas electrónicas de este año.

El pasado noviembre Rihanna lanzó su sexto álbum de estudio, Talk that Talk, del que ya se han vendido más de 2,5 millones de copias en todo el mundo, gracias a éxitos como You da One y Where have you been. El primer single, We found love, cuenta precisamente con la colaboración de Calvin Harris, con quien compartirá escenario. La cantante saltó a la fama en 2005 con el tema Pon de Replay, y desde entonces no ha dejado de producir hits como Umbrella, Hate that I love you, Don´t stop the music, Disturbia, Love the way you lie u Only Girl (In the world).

Rock in Río, que se celebró por primera vez en Brasil en 1985 -y que ahora cuenta con franquicias en Portugal, España y próximamente en Argentina- se ha diversificado este año para paliar los efectos de la crisis. En esta edición, las veladas estarán agrupadas por estilos musicales, y se presenta nuevo escenario: el Street Dance, donde 15 bailarines actuarán ininterrumpidamente a base de ritmos hip-hop. Además, el festival ha lanzado su propio cómic: Rock Rivers, publicado por entregas en EL PAÍS, que narra las aventuras del agente Rivers frente al villano Hellvansinger, empeñado en hacer fracasar el espectáculo.

Las entradas para el festival, que tendrá lugar en la Ciudad del Rock de Arganda del Rey, en Madrid, llevan a la venta desde el pasado 16 de diciembre, con un precio ascendente según se acerca la fecha del concierto. Desde el 1 de abril, los abonos cuestan 69 euros.

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El IV Curso Internacional de Música “Ciudad de Xàtiva” tendrá lugar del 8 al 14 de Julio de 2012, e invita a todos aquellos amantes de la música, estudiantes, y profesores de conservatorio que quieran elevar su nivel artístico durante siete días intensos de clases, conciertos y actividades.

Las instalaciones del curso son un marco inspirador e inigualable, ya que reflejan la historia de esta monumental ciudad. Desde el ex-convento de San Agustín y la Casa de la cultura, ambas datan del siglo XVII.
Echando la vista atrás y releyendo las encuestas de los 240 alumnos que han atendido las tres primeras ediciones del curso y venidos de ciudades como New York, Toronto, Amsterdam, Houston, Bordeux, Buenos Aires y toda España, dan ganas de seguir adelante, esperar que de nuevo llegue el verano y encontrar rostros conocidos.

Nuestro reto es seguir trabajando y mejorando este ambicioso proyecto que de camino a la cuarta edición, ya es toda una realidad a nivel internacional.

El Plazo de inscripción finaliza el 1 de ABRIL de 2012.

Más información e inscripción en www.musicaxativa.com

Las joyas de ‘Evita’ iluminan Broadway


En Nueva York se exhibe una recreación de las alhajas de la Primera Dama argentina.

En el musical Evita, que se estrenó el jueves pasado en Broadway, lo que más deslumbra no son lasinterpretaciones de Ricky Martin o Elena Rogers, en el rol de la mujer del presidente de Argentina, Juan Domingo Perón, sino las joyas que ésta luce a lo largo del espectáculo. Se trata de una serie de 35 piezas auténticas, una recreación de las que pertenecieron a la Primera Dama y a su marido y que ha realizado el orfebre argentino Marcelo Toledo.

Las joyas fueron parte del sello personal y distintivo de Eva Duarte de Perón, un icono de la moda y la política. Ella siempre reivindicó que ocupaban un lugar destacado en su lenguaje para conectar con el pueblo argentino. Con motivo del reestreno de la obra de Andrew Lloyd Webber, el hotel Marriott de Nueva York -el mismo que acoge la representación- expone desde el 5 de abril 70 réplicas, en oro, plata y piedras preciosas, de las alhajas de la primera dama argentina, entre ellas las que aparecen en el musical.

“Los visitantes disfrutarán de la exhibición de las joyas montada especialmente para la ocasión. La intención es que la mayor cantidad de público posible acceda a ver de cerca el trabajo de orfebrería que he realizado para Evita, y de qué forma, luego, está plasmado en la puesta en escena”, explicó Toledo el pasado jueves durante la premiere.

Entre los aros, broches, gargantillas, anillos o prendedores que integran la colección, destaca el collar de rubíes birmanos que el dictador Francisco Franco regaló a Evita cuando visitó España en 1947. Se trata de la joya preferida de la abanderada de losdescamisados argentinos. “Le gustaba tanto que la usó en la tapa de su libro La Razón de mi Vida” señaló el orfebre. También se ha recreado el broche bandera de zafiros y brillantes, con el que la Primera Dama posó en la mayoría de sus retratos oficiales, o el collar de flores en plata que lució desde sus primeros años como actriz.

Toledo es el primer artesano que ha sido autorizadopor la familia Duarte y el Instituto de Investigaciones Históricas Eva Perón para recrear las joyas de la Primera Dama argentina, que ahora son propiedad del Gobierno de ese país, quelas adquirió en una subasta tras su muerte. El orfebre, que ha creado piezas para reyes, príncipes, presidentes, artistas y hasta para Juan Pablo II, ya realizó en 2007 una primera edición de las alhajas del icono peronista para el Museo Evita. Después, se mostró en Venezuela, Estados Unidos, Rusia o China.

La exposición que ahora se puede ver en Nueva York se trasladará a Argentina más adelante. Allí, además, se exhibirán algunos vestidos originales de Evita, entre ellos creaciones de Christian Dior, Lanvin y Balenciaga, y otras piezas de decoración de los años 40.

Debut de Gheorghiu y Alagna en el Colón de Buenos Aires


El próximo miércoles 11 de abril, a las 20:30, con la presencia de Angela Gheorghiu y Roberto Alagna sobre el escenario del Teatro Colón de Buenos Aires, se iniciará la tercera edición del Abono Bicentenario.

Gheorghiu y Alagna, una de las parejas de cantantes más aclamadas en el mundo entero, se presentarán por primera vez en la Argentina junto a la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por el maestro español Ramón Tebar, e interpretarán un programa compuesto por obras de Francesco Cilèa, Giacomo Puccini, Pietro Mascagni y Alfredo Catalani.

Las localidades se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109), de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet ingresando a: http://www.teatrocolon.org.ar

Angela Gheorghiu ha desarrollado una destacada carrera internacional que le ha permitido cantar, desde su debut en 1992, en las casas de ópera y salas de concierto de las ciudades más importantes del mundo entre las que se destacan Nueva York, Londres, París, Salzburgo, Berlín, Tokio, Roma, Seúl, Venecia, Atenas, Montecarlo, Chicago, Filadelfia, entre muchas otras. Además, ha obtenido los premios Gramophone, Diapason d’Or, Choc du Monde de la Musique, Cecilia Prize, Deutsche Schallplattenkritik-Preis, Echo Award, Italian Musica e Dischi Foreign Lyric Production Award, Premio de los críticos de los Estados Unidos. En el Classical Brit Award obtuvo el título de la Artista Femenina del Año en 2001 y 2010.

Roberto Alagna nació en los alrededores de París, hijo de padres sicilianos dedicados al canto. Sus primeros pasos lo encuentran haciendo en Glyndebourne Alfredo de La Traviata. Es convocado luego por las casas de ópera más importantes: Nueva York, Viena, Londres. Ha participado en conciertos de caridad (Michael Jackson & Friends) y cantado para el Papa en el Vaticano. Sus futuras creaciones incluyen Paolo en Francesca da Rimini, el rol titular de El Cid, Maurizio en Adriana Lecouvreur, además de incursionar en el repertorio popular de la canción siciliana y el género chico español, la fusión de jazz, la comedia musical y la canción.

Susan Campos, Premio Casa de las Américas 2012


La musicóloga costarricense Susan Campos Fonseca ha obtenido el Premio de Musicología Casa de las Américas 2012 en su XIII edición.

Esta es -íntegramente- el acta de concesión del premio:

El jurado del XIII Premio de Musicología Casa de las Américas 2012 integrado por Marita Fornaro (Uruguay), Iliana García García (Cuba), Bernardo Illari (Argentina), Katrin Lengwinat (Venezuela) y Alejandro L. Madrid (México-Estados Unidos) acordó por unanimidad otorgar el Premio a:

Herencias cervantinas en la música vocal iberoamericana (1947-2010), de Susan Campos Fonseca, de Costa Rica.

El jurado consideró que:

“Este trabajo propone una mirada original sobre un repertorio poco abordado, incluyendo música “clásica” o “académica” y popular o mediatizada. Emplea de manera efectiva el recurso metodológico de acudir a la literatura para establecer un universo de tópicos que sirven de base para el análisis de composiciones y prácticas musicales. Demuestra dominio de las fuentes, un sólido marco teórico y una aplicación consecuente y rigurosa al universo estudiado.”

El jurado reconoce, además, los aportes a la musicología latinoamericana de las obras:

Músicos de Cuba y del mundo. Nadie se va del todo, de Joaquín Borges Triana, de Cuba.

Las letras de la música popular bailable cubana: diacronía y juicios de valor, de Liliana Casanella Cué, de Cuba.

La bulla en la ciudad. Una etnografía sobre la apropiación del bullerengue por músicos de la ciudad de Bogotá, Colombia, de Marcela Pinilla Bahamón, de Colombia.

El pensamiento musical en Caracas desde principios del siglo XVIII hasta principios del XX, de Hugo Quintana, de Venezuela.

Violinista virtuoso


San José de Costa Rica, 16/03/2012. Teatro Nacional. Philippe Quint, violín (Antonio Stradivarius, Cremona, 1708). Orquesta Sinfónica Nacional (OSN). Director invitado: Nan-se Gum. Ho-jun Lee, Unificación de amigos. Ástor Piazzolla, Las cuatro estaciones porteñas. Antonin Dvorák, Sinfonía N° 6, en re mayor, opus 60. Concierto de inauguración de la temporada oficial 2012.

Celebrada este año en el marco del Festival Internacional de las Artes (FIA 2012), la apertura el viernes 16, en el Teatro Nacional (TN), de la temporada oficial de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), estuvo engalanada por la prodigiosa interpretación, de parte del violinista ruso-estadounidense Philippe Quint, de Las cuatro estaciones porteñas, del argentino Ástor Piazzolla (1921-1992).

La emblemática obra de Piazzolla se escuchaba por vez primera en el país en la versión para violín solo y orquesta de cuerdas arreglada por el compositor y director de orquesta ruso Leonid Desyatnikov.

La circunstancia de que Corea del Sur fuera el invitado especial del FIA propició que la inauguración de la temporada estuviera a cargo del director surcoreano Nan-se Gum y que en el programa figurara el estreno nacional de Unificación de amigos, pieza para ensamble de cuerdas del compositor surcoreano Ho-jun Lee.

El programa del concierto de apertura se completó con la Sinfonía N° 6, en re mayor, opus 60, del compositor checo Antonin Dvorák (1841-1904).

Piazzolla

El inimitable músico argentino compuso Las cuatro estaciones porteñas entre 1965 y 1970, en semejanza a Las cuatro estaciones, de Antonio Vivaldi, una serie de cuatro conciertos para violín, orquesta de cuerdas y clave, pero, a diferencia de las alusiones a la naturaleza en la obra del compositor barroco italiano, el argentino pincela impresiones del cambiante entorno netamente urbano, a lo largo del ciclo temporal, de su Buenos Aires querido.

En su inconfundible estilo de tango nuevo, Piazzolla escribió Las cuatro estaciones porteñas para su propio quinteto, formado por violín, piano, bandoneón, guitarra eléctrica y contrabajo.

A fines de la década de 1990 (no en el 2009, como erróneamente se indica en el programa de mano), Leonid Desiatnikov acercó la obra del argentino al modelo de Vivaldi, arreglándola para violín solo y conjunto de cuerdas.

Junto a la difícil reelaboración del acompañamiento de las cuerdas y la escritura virtuosística para el violín solo, Desyatnikov reestructuró en tres partes los movimientos únicos de Las cuatro estaciones porteñas, e hilvanó de manera ingeniosa referencias a la obra de Vivaldi en la urdimbre de su arreglo. Por ejemplo, en Verano porteño cita elInvierno de Vivaldi, para acatar la inversión de las estaciones según los hemisferios boreal y austral.

Momento del concierto

Interpretación

En su primera presentación en el país, Philippe Quint forjó una ejecución portentosa como solista en el violín, distinguida mediante una pericia técnica deslumbrante, la entonación impecable y los timbres traslúcidos que obtuvo del instrumento, un apreciable Stradivarius, conocido como El rubí.

Asimismo, el acompañamiento de las cuerdas de la OSN se distinguió mediante la destreza instrumental y el sonido terso y fulgente, y la dirección meticulosa de Nan-se Gum mantuvo al solista y al conjunto en unión estrecha. Álvaro González, violonchelo principal, se destacó en un breve solo.

Philippe Quint recibió una ovación estruendosa y prolongada de los oyentes y complació, fuera de programa, con un brillante Capricho de su autoría.

Demás obras

El concierto de apertura se inició con Unificación de amigos. Las dos breves secciones de la pieza de Ho-jun Lee, compuesta para la celebración del Foro Asiático 2009, contrastan quietud y movimiento e incorporan sendas canciones representativas de Corea, Japón y China.

La obra demuestra una escritura ágil para las cuerdas y logra hermosos efectos de timbre e instrumentación, realizados con primor por el conjunto bajo la precisa conducción del maestro Gum.

Pasado el intermedio, el director y la OSN completa moldearon una lectura competente de la Sexta de Antonín Dvorák, que data de de 1880, composición que se oye con menor frecuencia y no alcanza la inspiración de la SéptimaOctava y Novena, obras maestras que culminan la producción sinfónica del gran músico bohemio.

En ocasiones noté cierta falta de equilibrio entre las secciones, con preponderancia de metales estridentes, quizá ocasionada debido a la mayor proyección sonora favorecida por los arreglos hechos últimamente a la concha acústica del Teatro Nacional.

Al concluir la obra, el público premió al maestro Nan-se Gum y la Orquesta Sinfónica Nacional con largos y entusiastas aplausos.

Doble programa Mascagni por Juventus Lyrica (AR)


La Asociación de Ópera Juventus Lyrica presenta en el Teatro Avenida de Buenos Aires (República Argentina), a partir del viernes 23 de marzo, en nuevas producciones escénicas dos obras de Pietro Mascagni: Cavalleria Rusticana y L’Amico Fritz, con dirección escénica de Ana D’Anna.

Antonio María Russo dirigirá a la Orquesta y Coro de Juventus Lyrica y concertará un elenco formado por Darío Sayegh, ‘Tariddu’, Sabrina Cirera, ‘Santuzza’, Cristian Maldonado / Juan Salvador Trupia, ‘ Alfio’, Mariana Artaza / Sabrina Contestabile, ‘Lola’, y Verónica Canaves, ‘Mamma Lucia’ en Cavalleria Rusticana y Sebastián Russo / Mariano Spagnolo, ‘Fritz’, Sonia Stelman / Patricia Villanova, ‘Suzel’, Santiago Tiscornia / Cristian Maldonado, ‘David’, Griselda Adano / Verónica Canaves, ‘Beppe’, Iván Maier / Ramiro Pérez, ‘Federico’, Juan Feico / Augusto Nureña, ‘Hannezo’ y Laura Benítez, ‘Caterina’ en L’Amico Fritz.

Cavalleria Rusticana L’Amico Fritz se presentarán en cuatro oportunidades los días 23, 25, 29 y 31 de marzo de 2012 en el Teatro Avenida de Avenida de Mayo 1222.

El renacimiento orquestal


Resulta difícil describir la alegría de los oyentes que colmaron la sala del teatro. Muchos fueron a escuchar y ver qué sucedía con la orquesta salteña luego de la renuncia del director titular y su rápido reemplazo por el maestro Jorge Lhez, director asistente desde la fundación del grupo sinfónico. Escuché muchas frases pero hubo una que impresionó: “Volvimos a tener orquesta”. Pero vale la pena corregir: orquesta siempre hubo, aunque las conducciones no fueron lo que la gente esperaba.

El repertorio elegido fue de alta exigencia. Se inició con una obertura beethoveniana de casi diez minutos de duración. La lectura del maestro Jorge Lhez fue de inmaculada corrección. Las tonalidades oscuras brindaron el marco justo para el épico tema principal. Muchas veces dije que los dos elementos más importantes del arte musical son la afinación y la elección del tempo. En esta oportunidad lo segundo fue la plataforma imprescindible para que la exposición fuera milimétricamente exacta. La orquesta, como si estuviera cargada de nueva energía, respondió admirablemente al más mínimo pedido del conductor. La tragedia escrita por Goethe, el gran poeta alemán, fue la elección del compositor para expresar con su música la lucha del individuo contra la injusticia que sufre el caballero Egmont, devoto católico, contra la persecución de los protestantes españoles que no solo niegan un justo juicio sino que humillan hasta la muerte al protagonista oprimido. Estupendos Lhez y sus dirigidos.

En 1967, cincuenta y seis años después de la muerte de Gustav Mahler, el director laureado de la Filarmónica de Nueva York decía: “Su tiempo ha llegado. Solo después de holocaustos mundiales, del avance de las democracias, de la impotencia para evitar los conflictos bélicos, de la magnificación de los nacionalismos buenos como el de Grieg o de los malos como los tiempos hitlerianos, de la intensiva resistencia a la igualdad social de los comunismos; solo después de haber experimentado ésto a través de los vapores de Auschwitz, de las avasalladas junglas de Vietnam, de Hungría, de Suez, del asesinato en Dallas, del macartismo; sólo después de todo ésto podemos finalmente escuchar la música de Mahler y comprender que él ya lo había soñado”.

La primera sinfonía del compositor austríaco es contundente y bella al mismo tiempo. Esta compuesta a sus veintiocho años y luego de su inesperado fracaso inicial, pasadas varias décadas, captó el humor y la adhesión del oyente. A pesar de cierto aire tomentoso y por momentos casi fúnebre, termina con un mensaje sonoro de inocultable fuerza y optimismo. La escuché en vivo y en versiones. Tedioso sería mencionar cuantas y cuales, pero destaco una soberbia interpretación en la Catedral de San Juan el Divino en Nueva York cuando el maestro Kurt Masur se despedía de la dirección de la Filarmónica de esa ciudad y otra conducida por el maestro Pedro Calderón en Salta en mis años de funcionario cultural. De hecho se la había pedido al maestro argentino, que curiosamente ayudó a formar a quien esta noche dirigió la Sinfónica de Salta.

El maestro Lhez hizo vibrar a todos con su irreprochable conducción. Lo veo y escucho desde la fundación de la agrupación local o sea desde el 2001. Me jugaría que ni él mismo sabe o ha tomado conciencia total de todo lo que ha progresado en estos años. Todos los detalles, las sutilezas, los matices, los cortes, los ataques, las precisas indicaciones, la forma de transmitir a sus dirigidos una partitura exhaustiva y gloriosamente estudiada, estuvieron sobre el escenario. Tengo la sensación que el público estaba esperando ésto. Su explosión final estuvo largamente merecida. Vino primero el sonido de la Naturaleza partiendo de un “La” desusadamente extenso. Luego apareció un intenso y emotivo scherzosobre la base de un ländler, precursor del vals austríaco. El tercer movimiento esta protagonizado por el sujeto de un conocido Frere Jacques, aquí llamado Fray Santiago, que se da a conocer por el contrabajo solista y de pronto el último movimiento que se abre con un electrizante y fortísimo acorde disonante de toda la orquesta que brinda la idea del paso del Infierno rumbo al Paraíso. Es preciso nombrar algunos solistas destacados: Manuel Izcaray (contrabajo), Cecilia Ulloque (flauta), Carlos Lépez Alonso (oboe), Elenko Tabakov (corno), Karina Morán (fagot) y Martín Bonilla (timbales) con todo su equipo de percusión. Por supuesto, también el trabajo conjunto del grupo orquestal, pero por sobre todo la exhibición de poderío, musicalidad, finura y nobleza que generaba la impresionante batuta del Mº Jorge Lhez, que supo imbuir a sus músicos de un vital y esperado empuje artístico.

FUENTE: Mundo Clásico