Las siete vidas de los nuevos edificios


Frente a los inmuebles que la crisis ha dejado vacíos y esperan un uso, algunos emblemas arquitectónicos reinventan su utilidad

En Zaragoza, junto al puente de la Almozara, el edificio ideado para la Unidad de Montes tiene un huerto en la cubierta. El inmueble ha cambiado varias veces de uso —la propia Unidad de Montes se desmontó cuando todavía no se había inaugurado su sede— y ahora funciona como sala de exposiciones temporales. “También como centro de Estudios Medioambientales del Ayuntamiento”, cuenta su arquitecto Jaime Magén, que asegura que, gracias a su flexibilidad, el edificio se ha adaptado a los nuevos usos sin necesidad de ser modificado. Por eso, señala, el único cambio se ha dado en las cubiertas verdes: los trabajadores se han apropiado de ellas y cultivan allí tomates y lechugas. No es que un edificio construido con algo más de dos millones de euros esté justificado como pedestal para un huerto urbano junto al río Ebro, pero la versatilidad de algunos inmuebles nacidos de una planificación urbana inmediatista, caprichosa e irresponsable ofrece un lado optimista y cívico en el drama de la burbuja arquitectónica que salpica a todo el país.

La reconversión de los edificios es un clásico urbano. Históricamente se han transformado admitiendo todo tipo de usos: de iglesias a discotecas y de hospitales a museos. Piensen en la Tate Gallery de Londres —que nació de una antigua central hidroeléctrica junto al Támesis— o en el Museo Reina Sofía de Madrid, que transformó en centro de arte el hospital general de esta ciudad que Francesco Sabatini había levantado en el siglo XVIII. El Museo Picasso de Barcelona es también la suma de cinco casas de diversas épocas y la antigua Alhóndiga de Bilbao es hoy la nueva sede de una mediateca con sala de exposiciones y piscina pública en la azotea.

Esa transmutación se da en todas las ciudades con inmuebles de distintos periodos capaces de mantener no solo la estabilidad, sino también la calidad arquitectónica a pesar de los cambios. Así, lo extraño no es el cambio, lo extraordinario es que se acorten tanto los plazos de esa transformación y que algunos edificios ni siquiera lleguen a estrenarse con el objetivo con el que fueron proyectados y construidos.

Recientemente, la Cúpula del Milenio, ahora llamada 02 Arena, que Richard Rogers diseñó en Londres para dar la bienvenida al año 2000, fue recuperada. Sucedió durante los pasados Juegos Olímpicos y hace unos días ha sido el rutilante escenario de la Final Four de baloncesto en la que el Olympiacos griego venció al Real Madrid por 100 a 88.

Más cerca, en Valladolid, hay otra cúpula del Milenio. La diseñó el catalán Enric Ruiz Geli como pabellón de la Sed para la Exposición Universal que Zaragoza dedicó al agua en 2008. Entonces, costó 1,4 millones de euros. Luego pudo desmantelarse y remontarse en otro destino, junto al río Pisuerga, cuando el consistorio vallisoletano la adquirió por 12.000 euros. Hoy se utiliza para conciertos. El año pasado actuaron allí Pablo Alborán y David Bustamante y estos días lo han hecho los Hombres G. Parece que también esa burbuja ha encontrado otra vida en Valladolid.

Los edificios renacen cuando están bien diseñados. Lo que es más extraño —pero abre una vía de futuro— es que se requiera, y sea posible, una mudanza para devolverles la vida. Sin embargo, las últimas olimpiadas así lo indicaron. Y las próximas, en Rio de Janeiro, sopesan reciclar la cancha de baloncesto desmontable que los arquitectos de Wilkinson & Eyre idearon con 12.000 asientos para Londres 2012. Con todo, frente a esos escasos renacimientos, España continúa sembrada de edificios que, como en lista de espera, aguardan su oportunidad

A las viviendas adosadas se unen centros de salud, oficinas y hasta estudios cinematográficos abandonados. Muchos no han llegado a estrenarse porque no queda presupuesto público para su gestión y mantenimiento. A ese sarpullido de mala planificación se suman las grandes obras paralizadas inconclusas —no en vano, casi todas con nombre de ciudad: la de la Justicia, la del Medio Ambiente, la de la Luz o de la Cultura en Madrid, Soria, Alicante y Santiago— y todos los proyectos que, tras ganar un concurso y hacer que arquitectos y ayuntamientos incurriesen en gastos, tienen por rostro un solar vacío y por futuro una espera que se antoja interminable. Con el parque arquitectónico vacío disponible en España casi nadie se atreve a poner otra piedra.

Puede que no sea para menos. Muchas de las obras más importantes de la última década retratan la ambición ciega de antaño y la ruina difícil de reparar que atravesamos hoy, pero sería peligroso que el próximo lustro nos retratara de nuevo despistados, sin saber qué hacer con lo ya construido. Por eso, frente a ese paisaje irresponsable, algunas instituciones han optado por adaptar los inmuebles para evitar que una arquitectura tan icónica como a veces hueca termine por constituir el paisaje más revelador del presente de nuestras ciudades.

Es el caso del MUNCYT de La Coruña. Inaugurado hace poco más de un año, el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología nació de un vientre de alquiler: el edificio que debía albergar el Centro de las Artes y el Conservatorio de Danza de la diputación coruñesa. Los arquitectos madrileños Victoria Acebo y Ángel Alonso ganaron el concurso para levantarlo hace más de una década: “El edificio buscaba la convivencia de dos instituciones distintas con una única gestión”, cuentan. A pesar de cuajar ese dos por uno, una vez concluido, el inmueble atravesó años de estancamiento por falta de medios hasta que la gestión pasó de local a estatal y Ramón Núñez —con experiencia en el arranque de varios museos científicos— se hizo cargo del su dirección. “No hubiéramos sido capaces de solicitar un espacio así y, posiblemente, nadie hubiera pensado diseñarlo si el primer programa hubiera sido como Museo de la Ciencia”, explica con optimismo Núñez frente a la cabina del Boeing 747 que en 1981 trasladó el Guernica de regreso a España, desde Nueva York, y que hoy es la pieza estrella de su museo.

Aunque los arquitectos lamentan que no todas las intervenciones han sido consensuadas y que la museística no tuvo en cuenta su trabajo, la versatilidad del trabajo de AceboXAlonso pudo verse cuando su edificio admitió cambiar de fachada su entrada principal. También cuando, para meter la cabina del avión, tuvieron que cortar pilares y apear vigas.

Esa flexibilidad también la está demostrando, finalmente, uno de los emblemas de la Expo de Zaragoza. Tras años sin un futuro claro, los edificios de esa muestra conforman hoy la incómoda ruina de un proyecto inaugurado el año que estalló la burbuja. En ese escenario, el polémico pabellón-puente que ideó la arquitecta Zaha Hadid por casi 70 millones de euros ha sido, por fin, abierto al público hace unas semanas.

Ibercaja se hizo cargo de su gestión y, en 2011, llegó a celebrar un concurso para dotarlo de contenido. Querían levantar sobre el Ebro un pequeño Museo de Nuevas Tecnologías que la directora de la obra social de la caja, Teresa Fernández Fortún, anunció como “apropiado para su arquitectura”. Sin embargo, dos años después el pabellón permanecía vacío y cerrado. Por eso, la entidad aragonesa ha optado por abrirlo de forma gratuita. Los vecinos pueden ahora cruzar la pasarela-mirador los fines de semana. Si no es museo, por lo menos sí es puente, y quienes atraviesan el río pueden acortar el camino que une la margen derecha del Ebro con el recinto de la antigua Expo.

No lejos de ese singular pabellón, la solitaria figura de la Torre del Agua, el edificio hueco que el arquitecto Enrique de Teresa construyó como reclamo de la Expo, ha corrido peor suerte. La Caja Inmaculada (CAI) anunció, en 2009, que se hacía cargo de esa infraestructura, donde pensaba inaugurar, en 2012, otro museo de ciencia e investigación. Lo que ocupó la torre, en 2012, fue una discoteca, temporal, que Volkswagen montó para presentar su Golf 7. Estamos en 2013 y la investigación continúa para decidir qué uso podrá dársele a una torre de 73 metros sin forjados —es decir, sin división por pisos— que costó cerca de 50 millones de euros. Mientras, se han iniciado otras pesquisas.

Hace unos días, el portavoz de la Chunta Aragonesista, Juan Martín, solicitó al Ayuntamiento de Zaragoza “que aplique los mismos criterios, sin miramientos, que sufren los ciudadanos para cobrar a la CAI lo que la entidad debe a las arcas municipales y, en el caso de que no lo haga, inicie el procedimiento que la caja seguiría con cualquier otra persona”. Martín denunciaba que, pese a haber firmado un acuerdo con la Sociedad Pública Expoagua para explotar la torre durante 20 años pagando un coste de mantenimiento anual de 1,5 millones de euros, la Caja Inmaculada no ha abonado todavía ese pago. Por eso los miembros de la Chunta exigían al Ayuntamiento un desahucio. Sin embargo, aunque la CAI sea la entidad que más desahucios ha firmado en Zaragoza ¿puede desahuciarse lo que no está ocupado? Desde la CAI responden que están “estudiando la mejor forma de resolver el acuerdo alcanzado cuando el marco económico era otro”. También señalan que hoy las demandas generadas por la crisis son otras y aseguran, además, que “nunca hemos llegado a tomar posesión del edificio ni, por lo tanto, a asumir su gestión”.

En Sevilla, otra caja de ahorros sí es protagonista de la reconversión, anterior a la inauguración, de un edificio emblemático y no exento de polémica. La antigua Torre Cajasol, llamada a ser el rascacielos más alto de Andalucía, hoy se llama Torre Pelli y pertenece al grupo Caixabank. Tal vez por eso, y teniendo en cuenta el 12% de oficinas desocupadas que soporta la capital hispalense, sus nuevos dueños hayan decidido ocupar parte de su torre de 40 plantas con la futura sede del centro cultural Caixaforum que estaba previsto construir en las antiguas atarazanas de la ciudad. Así las cosas, la entidad se ha asegurado de llevar vida a su edificio. Por eso, cuando, previsiblemente el año que viene, se inaugure ese rascacielos de 180 metros, la sede de CaixaForum en la Isla de la Cartuja llenará varias de sus plantas y evitará que la torre se convierta, después de una gestación polémica, en un nuevo edificio a medio gas.

Sin alcanzar la ruinosa suerte del aeropuerto de Castellón, que todavía aspira a poder entrar en funcionamiento, en el campo de Lérida, El Alguaire, uno de los aeródromos arquitectónicamente más singulares de los últimos tiempos, parece estancado en la falta de actividad. Su arquitecto, Fermín Vázquez (del estudio B720), asegura que diseñarlo fue para su oficina una ocasión de oro: nunca habían levantado un aeropuerto y, gracias a la experiencia, han sido invitados a varios concursos internacionales. Bromea, además, comentando que el bar de la terminal —el edificio que costó “poco más de seis millones de euros”— se ha convertido en “la cafetería más de moda en la ciudad”.

Sea como sea, lo que parece seguro es que la gente no llega hasta allí (a 15 kilómetros de Lleida) para ver despegar a los aviones. Solo hay vuelos fijos los domingos y los viernes entre Palma y Lérida. El resto del año, instalaciones de primer orden esperan a los chárter que la compañía británica Thomas Cook trae desde Manchester, Bristol o Birmingham con turistas que se acercan a esquiar al Pirineo. ¿Pagan esos esquiadores británicos los gastos de mantenimiento? En Aeroports de Catalunya señalan que todavía no, aunque aseguran que el coste de mantenimiento se ha reducido en el último año de 1,2 a 0,6 millones de euros. Un taller que en octubre de 2011 reunió en las instalaciones del aeródromo a estudiantes de arquitectura de todo el mundo para buscar nuevos usos para la terminal podría hacer pensar en otras posibilidades de futuro para ese aeropuerto pequeño, hermoso y remoto. En la Generalitat, sin embargo, lo desmienten: “Habrá más usos en el futuro, pero todos tendrán que ver con la aeronáutica”. Otro edificio icónico que espera, en España, pista para despegue.

 

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Valencia quiere contar la historia del jazz en España


El primer congreso sobre la presencia de esta música en nuestro país se celebrará en noviembre

El congreso sobre la historia de jazz en  España que se celebrará en Valencia en noviembre supondrá un importante paso para paliar  la escasez de estudios sobre la llegada y desarrollo de esta música nuestro país. Aunque hace casi un siglo que los melómanos españoles conviven este género, el congreso internacional Jazz en España será el  primero dedicado al tema en nuestro país. Se trata de una iniciativa de la subdirección general de Música de CulturArts – Generalitat Valenciana y la Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que contará con la colaboración de la Universitat de València y la Universitat Politècnica de València.

El encuentro, que se celebrará entre los días 28 y 30 de noviembre de 2013, pretende contribuir a  “actualizar y presentar a la comunidad científica la investigación más reciente sobre la historia y presencia del jazz en nuestro país de la mano de los especialistas y protagonistas de este género”.  Además de la entrada del jazz en la Pelnínsula Ibérica, se abordarán “las peculiaridades de su consolidación en diferentes ciudades y territorios, su asimilación desde otras tradiciones musicales, la recepción por parte del público y los medios de comunicación o la influencia de algunos músicos destacados en su desarrollo”, entre otros aspectos.

Las mesas redondas y ponencias se complementarán con una serie de conciertos en la Universitat Politècnica de València, enmarcados en su tradicional festival Novembre, así como jam sessions en distintos clubes de la ciudad y una exposición sobre la memoria gráfica jazzística que acogerá la Universitat de València en el Centre Cultural La Nau, organizada en colaboración con la Fundación Ebbe Traberg.

 

Dos Mozart y un Schubert de máxima altura musical en el Teatro Rosalía


La autoridad de Zacharias interpretando Schubert al piano y la expansiva energía y soberbio control de sonido del contrabajo de Diego Zecharies fueron sólidos pilares en el quinteto “La trucha”.

El Festival Mozart ha culminado su programación de esta semana con un concierto de cámara en el que solistas de la Orquesta Sinfónica de Galicia y Christian Zacharias, artista residente de esta edición, han brindado al público excelentes versiones de un programa compuesto por obras de Mozart y Schubert, en la mejor tradición del Festival. En su primera parte, dos cuartetos de Mozart para flauta y trío de cuerdas, a cargo de Claudia Walker Moore; Massimo Spadano, violín; Francisco Regozo Miguens, viola, y David Ethève, chelo: el Cuarteto en do mayor, K 171, y el Cuarteto en re mayor, K 285.

En el K 171, el protagonismo otorgado a la flauta en el Allegro con spirito y las respuestas del violín dieron buena medida de la calidad de los solistas de la OSG, refrendada en la serenidad del tema Allegro final, cantado por la flauta de Walker Moore, y en sus sucesivas variaciones. La escritura más concertada del K 285 refrendó calidad individual y empaste de sonido y unidad de carácter y criterio estilístico.

El Quinteto para piano y cuerdas, “La trucha”, op. 114 de Schubert, tan conocido a través de memorables versiones grabadas, es una piedra de toque para grupos de cámara. La claridad y la tensión creciente de su introducción constituyeron uno de esos momentos en los que el verdadero aficionado siente ese calambre de los grandes momentos. Y el concierto de ayer fue una de ellas, sin duda: tras la calidad indudable de las obras de Mozart, la versión de Schubert que se pudo gozar en el Rosalía fue realmente de referencia. La autoridad de Zacharias interpretando Schubert al piano fue como uno de los sólidos pilares de un viejo puente de piedra sobre un río de montaña. El otro fue la expansiva energía y el soberbio control de sonido del contrabajo de Diego Zecharies, solista de la OSG.

Asomados a él, los aficionados pudimos gozar de la fuerza, la pureza cristalina y los reflejos líquidos del piano de Zacharias a lo largo de toda la partitura; de las modulaciones schubertianas del conjunto como lomos de agua sobre las rocas del sólido fondo del contrabajo; del revoloteo del violín de Spadano y del rico color de la viola de Regozo prestándoselo en el fondo de una poza a la majestad del gran pez padre, aparecido en la variación del chelo de Ethève en el cuarto movimiento. Todo, expresado con la más ortodoxa e inspirada musicalidad, hizo de la del sábado, sin duda, una tarde para recordar en la historia del Festival Mozart.

 

“Cuando la gente oye un cláxon, yo oigo un Mi”


El joven violonchelista Pablo Ferrández debuta con la Orquesta de RTVE con el clásico pero complicado ‘Concierto en Re’ de Haydn.

“Mi padre no iba a ser chelista pero, cuando era joven, escuchó un disco de Pau Casals y le encantó. Entonces, a los 18 años, que es tardísimo para un músico, decidió tocar el chelo. Tanto le impactó que, cuando nací yo, me pusieron Pablo por Casals”, explica Pablo Ferrández sobre su padre, violonchelista de la Orquesta Nacional de España y del que heredó la pasión por el hermano mediano de la cuerda. A sus 22 años ya sabe lo que es subirse a las tablas del Gran Teatro del Liceo y del Auditorio Nacional, pero este viernes escribe una nueva página de su carrera: toca con la Orquesta de Radio Televisión Española el ‘Concierto en Re’ de Joseph Haydn. Completan el programa la ‘Sinfonía nº5’ de Beethoven y ‘Teponaztli’ de Cruz-Guevara.

El ‘Concierto en Re’ tiene esa doble percepción que separa al oyente del intérprete. Para el público, una pieza del padre del clasicismo vienés que resulta muy agradable al oído y con estructuras bien delimitadas. Para el solista, un puzle de digitaciones, matices y posiciones que conlleva un arduo estudio previo para domar la partitura. “Técnicamente es un infierno. Es uno de los conciertos más difíciles de chelo. Cuando me dijeron que tenía que tocar el ‘Concierto en Re’ me asusté un poco, pero me lo tomé como un reto”, explica Ferrández.

Curtido en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, el joven violonchelista estudia ahora en la Academia Krönberg, una “escuela exclusiva donde solo hay 14 alumnos”. “De la Reina Sofía solo tengo las mejores palabras: me lo ha dado todo. Estuve 7 años allí, pero necesitaba ir a esta escuela para desarrollar mi carrera como solista”, explica. Aún así, vive entre Frankfurt y Madrid, y sigue colaborando con el grupo de cámara que formó con sus compañeros en la escuela madrileña.

Pero a este instrumentista la música le viene desde la cuna. Su madre, profesora de música, inventó cuando él nació un método de enseñanza musical llamado El mago diapasón. Con este método, la madre de Ferrández logró que su hijo desarrollara oído absoluto en tan solo un año. “Es una técnica que requiere mucho trabajo durante todos los días, pero da resultado. De pequeño cuando sonaba el cláxon de un coche, yo escuchaba Mi. Mi madre lo imparte en centros infantiles y clases particulares y ya tiene muchos alumnos que tienen oído absoluto y sus padres no tienen nada que ver con la música. Puede que haya gente que nazca con ello, pero también se puede enseñar”, comenta el violonchelista.

Este instrumentista forma parte de una generación de buena cuerda española que elimina el prejuicio de que los violinistas, violistas, chelistas y contrabajistas españoles no tienen nivel. “Los instrumentistas españoles de cuerda fuera de España estamos supervalorados. En España seguimos con la tendencia de no valorar como se merece lo español, pero se está superando ese prejuicio. La educación musical en España es cada vez mejor”, explica.

Recién llegado del Festival de violonchelo de Los Ángeles, Ferrández ya tiene en la cabeza su agenda de conciertos hasta dentro de un año. Un momento especial será cuando toque como solista el próximo febrero en el Auditorio Nacional y debute con la Orquesta Nacional de España. Él estará junto al podio del director mientras su padre lo observa desde detrás del atril. “Va a ser un momento muy emocionante”, sentencia Ferrández.

Pablo Ferrández con la Orquesta de RTVE. Viernes a las 20.00 en el Teatro Monumental (Antón Martín). Entradas: de 10 a 22 euros.

“Sigo interesado en venir a la ONE”


El joven y talentoso director alemán David Afkham, que estuvo a punto de sustituir a Pons en la Orquesta Nacional, todavía piensa en aterrizar en Madrid.

Hubo un momento allá en octubre cuando parecía que el asunto estaba cerrado. David Afkham (Friburgo, 1983), el joven y talentoso director alemán, dijo que sí y estampó su firma en el contrato que le convertía en director titular de la Orquesta Nacional de España (ONE), formación que le esperaba ilusionada para sustituir a Josep Pons (que se marcha al Liceo). Todo cuadraba: director joven en meteórica ascensión, ganas de trabajar, buena conexión, costes razonables… Todo un fichaje. El problema es que la administración española, que debía formalizar la incorporación por el otro lado, se echó atrás en el último minuto por el adelanto de las elecciones y la paralización de todos los contratos en trámite. Desde entonces la ONE sigue sin conocer quien será su director.

El viernes pasado, Afkham, a quien muchos ya señalan como el nuevo Dudamel europeo —incluso algunos creen que le sustituirá en la Sinfónica de Gotemburgo— aterrizó en Madrid para dirigir a a la Mahler Jugendorchester. Con solo 28 años, y aceptando que tiene todo por delante, es un tipo con las ideas claras. Le gusta España, cree que la fama de sus orquestas en Europa es buena y chapurrea algo de español porque su novia es mitad colombiana. Quizá le venga bien, porque pese al penoso desenlace de la historia con la ONE, todavía no descarta hacer las maletas rumbo a Madrid.

—No tengo noticias de ellos, solo sé lo que leí una semanas atrás donde se decía que incorporar a un director titular no era una prioridad [lo dijo el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, en una entrevista en EL PAÍS y causó cierto malestar en la orquesta]. No sé más. Tenemos conciertos en octubre juntos y el próximo año.

—Después de lo sucedido, ¿sigue interesado en venir?

—Sí… Realmente disfruté con esta orquesta y me gusta mucho Madrid, así que todo está abierto. Nadie sabe qué puede pasar. Me gusta el lugar, la energía que tienen, las ganas de evolucionar… Fue una pena, la verdad.

Afkham es el pequeño de cinco hermanos en una familia de músicos (uno es violinista de la Filarmónica de Berlín y mantiene duros debates con él). Lo normal en casa, cuenta, era tocar dos instrumentos. Eligió el piano y el violín. Algo que, dice, le ayuda ahora a suplir la falta de experiencia en la dirección de algunas zonas del repertorio. “Empecé desarrollando mis ideas musicales con el instrumento. La base no es solo la dirección. Tuve contacto con el material real. La batuta no hace música, es solo un trozo de madera. Así que me parece importante desarrollar tus ideas y crecer en un espíritu musical”.

Y sus ideas, por el momento, se basan en rechazar lo que no se ve capaz de hacer todavía y en pulir la parte del repertorio que más le interesa. “Brahms, Beethoven, Wagner, Strauss, la segunda escuela de Viena, también Bruckner o Mahler… Hago repertorio que conozco, con el que tengo algo que decir. Dirigir no es organizar el aire. Si no tienes un mensaje, si no sabes lo que quieres decir o lo que hay en la Décimade Shostakovich, o en la Tercera de Brahms… ¿cómo puedo inspirar o transmitir la música? Tienes que decir algo, y eso es lo que cuesta tiempo: madurar la personalidad. Pero eso te lleva toda una vida. Por eso los mejores directores son los viejos”.

Los que le conocen dicen que va bien de técnica, que sabe hacerse respetar y que tiene muy buena comunicación con la orquesta. Él lo asume, pero con matices. “Lo ideal es estar abierto a las ideas y el diálogo, pero al final tiene que haber una decisión. Juntos seremos más fuertes, esa es la idea. No es como los tiempos pasados, cuando los directores eran unos dictadores. Hoy hay que escuchar lo que los músicos tienen que ofrecer para poderlo moldear. Pero no se trata de que tengamos un ensayo y luego vayamos a discutir durante media hora. No me refiero a eso”.

¿El futuro? De momento, dice, seguirá ejerciendo de director invitado allá donde le llamen. Veremos lo que dura. Barenboim ya le ha hecho llegar su interés por conocerle y cada vez más orquestas en Europa (Birmingham, Rotterdam, Gotemburgo…) apuestan por un perfil como el suyo para crecer. Pero a él le gusta Madrid.

Visiones de las pieles tintadas


Sevilla Tattoo Convention contará con 90 tatuadores y el concierto de Vinila & The Lucky Dados.

Más allá de la moda, los tatuajes son una forma de vida. Una marca que diferencia a las personas o a un grupo social. Son señas muy cotizadas para los amantes de las pieles tintadas, que buscan tatuadores especializados en diversas disciplinas. Los famosos fijan tendencias, que en ocasiones son efímeras como los diseños tribales de Mike Tyson; pero en otras permanecen. Es el caso de los dibujos old schoolde Amy Winehouse, que han servido para enfatizar a los rockabilly y laspin-upSevilla Tattoo Convention, el primer evento de este tipo que se celebra en Andalucía, pone el foco durante tres días en la capital hispalense con el objetivo de acercar este estilo de vida a apasionados, curiosos y cazadores de tatuadores.

El centro neurálgico, de los 80 stands de estudios de tatuajes y los más de 90 profesionales de la aguja, será el Hotel Meliá Sevilla los días 13, 14 y 15 de mayo. En la convención también habrá conciertos, concursos, exposiciones y seminarios abiertos al público por 12 euros el día, excepto el sábado que al ser la actuación de Vinila & The Lucky Dados la entrada llega a los 15 euros.

“Lo peligroso de esto es salir sin tatuarse”, comenta Íñigo Abril, jefe de prensa de Producciones MLBC, empresa que se encarga de montar estos eventos por toda España. Según Abril, los tipos de tatuajes que más demandan los asistentes a estas convenciones son los de estilo realista, “Llegan hasta un punto que parece que puedes coger la pieza”. El 50% de los tatuadores son andaluces, el resto vienen de todo el mundo. Hay grandes especialistas como Don Diablo de Valencia que centra su trabajo en el old school,“tiene tanto nivel que el año pasado estuvo tres meses en Grecia porque la gente viendo sus trabajos por internet quería ese estilo y lo quería a él”.

La mayoría de los artistas de la aguja ya tienen todas las citas cogidas, pero siempre se puede encontrar algún hueco. Para que la espera sea más amena y cualquier persona pueda disfrutar del mundo del tatuaje, en la convención se puede asistir a los seminarios, pasear por la exposición Tattoo flash made in Spain o disfrutar con el concurso de Art Fusion —que se basa en la unión de tres skate sobre los que tatuadores van dibujando una pieza y la continua otro—. Además, el público puede deleitarse con las actuaciones de baile de Insomnia, el directo de Cat Club, el concierto de la pin-up Vinila & The Lucky Dados y el de los rockabilly sevillanos St. Peter Square.

Hemos llegado a los 40.000 visitantes, ¡GRACIAS!


Os damos las gracias por esa cantidad tan elevada de visitas que ni tan siquiera se nos pasaba por la cabeza que íbamos a lograr en tan poco tiempo. Ya rozamos el medio centenar de millares y nos sentimos muy orgullosos del trabajo realizado y, por supuesto del que queda aún por realizar. En este tiempo ya podemos disfrutar en el blog de noticias actualizadas sacadas de distintos diarios nacionales (España) e internacionales (México, EE.UU, Alemania, Francia…) con el principal objetivo de poder lograr un punto de reunión e información universal de música y de diferentes temas relacionados con la cultura en general.

Aparte de este punto de información recién creado y del que esperemos podamos seguir dando por mucho tiempo, podemos avanzar que ya contamos con partituras de diferentes autores en la sección de CANTO, además de haber acabado de colgar todo lo que tenemos guardado de PIANO. Pronto contaremos con más partituras de otros instrumentos, ya que nuestra meta es poder llegar a tener de todos los instrumentos, incluidas formaciones musicales tales como lo son los tríos, cuartetos, quintetos o incluso partituras orquestales.

Os esperamos con los brazos abiertos. Si eres nuevo por aquí no te cortes, BIENVENIDO y ponte cómodo, estás en tu casa.

SALUDOS!!

La década en que vivimos electrónicamente


El festival Electrónica en Abril cumple 10 ediciones.

Un doble elepé conmemorativo con material exclusivo cedido por los artistas participantes (de Eleh a Dopplereffekt; de Matmos a nsi.) sirve para marcar el décimo aniversario del festival de música Electrónica en Abril, apuesta estrella de La Casa Endendida de Madrid (que también cumple una década) por la música de raíz sintética y afán vanguardista.

Un concierto extraordinario, en el que el pionero Manuel Göttsching interpretará su legendaria pieza de minimalismo ácido E2-E4 abrirá la cita el jueves. Después, hasta el domingo, desfilarán por los escenarios del patio y del auditorio de la institución cultural nombres clave de la electrónica actual, como Keith Fullerton Whitman, THEESatisfaction, Nate Young o Hype Williams.

Esa ha sido la premisa del festival desde su creación, explica desde Bruselas su comisario José Luis Villalobos, antes de nombrar a Maral Kekejian, directora de Artes Escénicas del centro, como impulsora del proyecto y de recitar con delectación algunos de los nombres y estilos que un día pasaron por Electrónica en Abril para dotar a la cita de innegables credenciales de avanzadilla underground. “Lo bueno de estos 10 años ha sido comprobar que se trata de un género amplísimo, y que rara vez se estanca”.

Como muestra, lo que sigue es el repaso de Villalobos en cinco hitos a la última década de un estilo cuya muerte muchos certificaron a la ligera allá por 2003 (año de la primera edición) y que, sin embargo, hoy goza de salud envidiable y una creciente influencia global, desde las populares radiofórmulas hasta los centros de producción de arte sonoro.

Un artista: “Burial. Si ha habido un artista que en estos 10 años le ha devuelto a la música electrónica su halo de potencialidad es Burial. En una época de autobombo y exposición constante, de redes sociales e imágenes retocadas Burial, sigue siendo un misterio: solo sus más allegados saben guion es, ha concedido solamente una entrevista y jamás ha tocado en directo. Todo lo que quería contar lo ha contado en dos discos, Burial (2006) y Untrue (2007), que desde el dubstep nos hablan de lo intangible, con ritmos hiperventilados, bajos tenebrosos y voces dolientes. La melancolía en todo su esplendor”.

Un disco: “Location Momentum, de Eleh (Touch 2010). Hay muchas maneras de aproximarse a un disco, y hay algunos que pasan desapercibidos si no se escuchan en las condiciones adecuadas. Cada vez nos damos menos tiempo para escuchar la música como debe ser escuchada, y este es uno de esos discos que nos descubren el sonido -frecuencias, resonancias, tonos- en su estado más puro, como fenómeno físico que nace, se desarrolla y muere, y que debería reclamar toda nuestra atención. Minimalismo que entronca con el trabajo de los más grandes: Terry Riley, Eliane Radigue, La Monte Young o Pauline Oliveros”.

Un concierto del festival: “RADIAN en Electrónica en Abril, edición de 2004. Escuchando el tema (Rusty Machines, Dusty Carpets) que Radian han compuesto para el álbum conmemorativo Festival Electrónica en Abril 2003-2012 me vi­ de repente en 2004, sumergido de lleno en la actuación de Radian en el patio de La Casa Encendida. Como muchos músicos austri­acos (Elektro Guzzi son otro buen ejemplo) Radian dominan a la perfección la técnica, que en sus manos es solo una herramienta para trascender las limitaciones de sus instrumentos: improvisación, vanguardia y un sentido de la responsabilidad para con lo que están creando, que es único y se diría que hermoso. Un compromiso absoluto con la música que es muy difí­cil de encontrar. Por eso son tan buenos y tan inasibles”.

Un libro. “In the Blink of an Ear: toward a non-cochlear Sonic Art(Continuum, 2009), de Seth Kim-Cohen. Lo sonoro se alimenta, cada vez más, de la palabra, de un debate que entorno al arte sonoro ilumina también a buena parte de la música electrónica desde lo filosófico y lo conceptual. Echo en falta editoriales en España que trabajen este campo, y es que muy pocos libros llegan a traducirse. Hay otros grandes pensadores de lo sonoro, autores como Salomé Voegelin, Brandon Labelle o Douglas Kahn”.

¿Y en España? “Para mí­, la electrónica nacional va muy unida a la de baile gracias a Net28, el colectivo de artistas (Apnea, CMYKmusik, Cyclical Tracks, Mupa y Pulpa), con más de 100 vinilos publicados en esos años con artistas que para nosotros lo eran todo: Thomas Brinkmann, Tim Hecker, Mike Ladd, Paul St. Hilaire, Murcof, Geoff White… Y si hay un disco con el que me identifico es Multiplicanciones(Apnea003, 2004), la primera parte de una trilogía y uno de los primeros 12 pulgadas de Alex Under: posiblemente el mejor disco de techno hecho en España. No hará falta recordar que eso de la objetividad no existe, soy muy parcial”.

Nuevo portal de musica y danza del INAEM (ES)


El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Miguel Ángel Recio Crespo, presentará el próximo miércoles 11 de abril, a las 19 horas, en el Teatro de la Zarzuela, el nuevo portal musicadanza.es del Centro de Documentación de Música y Danza, y las dos últimas publicaciones digitales de esta unidad dependiente del INAEM:Pasos. Anuario de Danza: más de una década de estrenos (2000-2010) y 25 años de ópera contemporánea en España.

Estará acompañado por Paolo Pinamonti (Director del Teatro de la Zarzuela), José Carlos Martínez (Director de la Compañía Nacional de Danza) y Miquel Ángel Plaza-Navas (Coordinador de la Unidad de Recursos de Información Científica para la Investigación-CSIC); en una mesa redonda en la que, con motivo de la presentación, se analizarán los nuevos retos en la documentación de la música y la danza, moderada por Antonio Álvarez Cañibano, director del citado centro de documentación.

La nueva web recoge el trabajo llevado a cabo por el Centro en los últimos años. Sus bases de datos, tanto de música como de danza, muestran una rica información en sus cerca de doscientos mil registros.

Podrán niños compartir escenario con el pianista chino Lang Lang


Se busca descubrir nuevos matices en la interpretación musical.

A través de un concurso internacional creado por una compañía telefónica, 50 niños y jóvenes músicos, provenientes de 13 países, tendrán la oportunidad de compartir escenario con el connotado pianista chino Lang Lang, el próximo 15 de junio en la 02 Arena World de Berlín.

El concierto, donde se celebrará el cumpleaños número 30 del pianista chino, busca descubrir en los jóvenes nuevos matices en la interpretación musical, informaron los organizadores en un comunicado.

Detalló que podrán participar niños y jóvenes pianistas de 7 a 14 años de edad, que radiquen en España, Chile, Brasil, México, Argentina, Venezuela, Reino Unido, Irlanda, Alemania, República Checa, Perú, Costa Rica o Ecuador, quienes deberán grabar un video interpretando una pieza musical y subirlo a la dirección electrónica http://www.langlangberlin.telefonica.com, antes del 15 de junio.

El proceso de selección se realizará inicialmente en línea, a través de las votaciones del público, en una segunda etapa los finalistas serán elegidos por un jurado, y, finalmente el ganador de cada país será escogido por el propio Lang Lang.

Los dos representantes de México, tendrán la oportunidad de viajar a Berlín acompañados de un adulto para disfrutar de una estancia de cuatro días, en la que podrán ensayar y participar en las actividades que se organizarán para los ganadores, además tendrán el privilegio de presentarse junto a uno de los mejores pianistas del mundo.

Para este singular concierto, los jóvenes talentos y el pianista oriental serán acompañados por el compositor estadounidense Herbie Hancock, considerado una las figuras más importantes del panorama musical mundial.

Mientras que el concertista Jahja Ling será el encargado de guiar a la Orquesta Festival Schleswig-Holstein en esta presentación, que será transmitida en el portal electrónico antes mencionado.

Lang Lang ha sido definido por el prestigioso periódico “New York Times” como el “artista más puntero en el panorama de la música clásica actual”, y por la revista “Time” como una de las 100 personalidades más influyentes del mundo.

El músico chino (1982), cuenta con millones de seguidores y se ha caracterizado por representa la nueva imagen de China, en un mundo abierto e interconectado, donde la tecnología es su gran aliada.

Sus esfuerzos para ayudar a los jóvenes a través de la música lo impulsaron a crear la Fundación Internacional Lang Lang, en 2008, cuya misión es inspirar a la próxima generación de amantes de la música clásica e impulsar a jóvenes pianistas.