Suzuki obtiene la Medalla de Bach de Leipzig


El jurado destaca el servicio prestado por el músico japonés en la propagación de la obra de Johann Sebastian Bach en su país.

La ciudad de Leipzig ha otorgado la Medalla de Bach de este año al director y organista japonés Masaaki Suzuki, por su compromiso con la difusión de la música de Bach. El director, de 57 años, recibirá este galardón en el Festival Bach que la ciudad celebrará el próximo mes de junio. El jurado ha destacado “el extraordinario servicio prestado por este especialista en la interpretación históricamente informada en la propagación de la obra de Johann Sebastian Bach en su país”. La Medalla Bach, creada en 2003, ha sido concedida anteriormente a Herbert Blomstedt (2011), Philippe Herreweghe (2010), Frieder Bernius (2009), Hermann Max (2008), Nikolaus Harnoncourt (2007), Ton Koopman (2006), John Eliot Gardiner (2005), Helmuth Rilling (2004) y Gustav Leonhardt (2003).

Masaaki Suzuki (Kobe, 1954), es organista, clavecinista y director. Sus padres eran cristianos, y músicos aficionados. Estudió composición y órgano en la universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música, y más tarde clave y órgano con Ton Koopman y Piet Kee, así como improvisación con Klaas Bolt en el Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam. En 1983 comenzó a enseñar en la Universidad Femenina Shoin de Kobe, y fundó la orquesta barroca Bach Collegium Japan en 1990, comenzando en 1995 a grabar una celebrada integral de cantatas de Bach (que al principio encontró recelos entre la crítica) para el sello BIS que va ya por el volumen 50 y cuenta ahora con la admiración internacional de la crítica y el público. Suzuki está también grabando las obras completas para clave de Bach, y es uno de los pocos intérpretes de tecla que ha grabado los cuatro libros del Clavier-Übung(incluyendo el tercero, escrito para órgano). Desde 2009, Suzuki es Profesor de Dirección Coral y director de la Yale Schola Cantorum, en un acuerdo de union entre el Yale Institute of Sacred Music y la Yale School of Music. Suzuki es además actualmente profesor de órgano y clavecín en la Universidad de Arte y Música de Tokio.

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Poderoso Shostakóvich


Ibermúsica:

Gustav Mahler Jugendorchester. Director: David Afkham. Solista: Iréne Theorin. Obras de Wagner: Escena final de ‘El ocaso de los dioses’, y Shostakóvich: ‘Séptima sinfonía’. Auditorio Nacional, 14 de abril.

Lo que cambian las cosas con el paso del tiempo. Hace unos años se celebraba por todo lo alto la presencia de algún español en la orquesta de jóvenes Gustav Mahler, creada por iniciativa de Claudio Abbado en Viena en 1986. Ahora los apellidos españoles superan el 20% del total de la plantilla. Es un tema para meditar, porque no es la única orquesta europea de renombre en la que los músicos españoles jóvenes triunfan. Los deportistas de España no están solos en cuanto a prestigio internacional en los últimos años. Es un motivo de satisfacción.

Sustituyendo a Ingo Metzmacher, David Afkham ha venido a Madrid al frente de la fogosa orquesta. La presencia del joven director alemán generaba una enorme curiosidad tras los intentos fallidos de su fichaje en España, primero por la orquesta Filarmonía de Galicia y posteriormente por la Orquesta Nacional. No se puede afirmar por lo visto en el concierto del sábado si ha sido una pérdida irreparable o no su compromiso con alguna orquesta española. Son muchas y complejas las cuestiones que concurren en la titularidad musical de una orquesta. Lo que sí queda fuera de dudas es la enorme calidad de Afkham como director: claridad en los conceptos fundamentales, precisión en los contrastes dinámicos, sumo cuidado de los aspectos tímbricos, dominio más que sobrado de la parcela rítmica y gran facilidad para conjugar con acierto los diálogos entre secciones sonoras. Su Séptima de Shostakóvich fue modélica. La orquesta respondió con entrega y un entusiasmo al límite de la desmesura, aunque sin perder en ningún momento la racionalidad. El éxito, en estas condiciones, era predecible. Así fue, y además de gran calado.

Previamente a la sinfonía de Shostakóvich hubo una lectura de la escena final de El ocaso de los dioses,de Wagner, la de la inmolación de Brunilda, con el papel de la heroína wagneriana asumido por la soprano sueca Iréne Theorin. No quedará para el recuerdo esta primera parte del concierto. De entrada, comenzar una velada musical por una página de estas características es más que discutible, pero, en cualquier caso, a Wagner hay que tratarle con más cuidado. Una versión tan bullanguera como la que se ofreció es en cierto modo contraproducente y lleva inevitablemente a la superficialidad. En realidad todo estuvo en su sitio, tanto las aportaciones de la cantante como las del director y la orquesta, pero sin “pellizco”. La redención vendría de inmediato con Shostakóvich y su emblemática sinfonía Leningrado.

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St John Passion – review


Polyphony’s Good Friday performance of Bach’s St John Passion has become an annual fixture, but there was no suggestion of routine about this Easter’s vital account under the choir’s founder-conductor Stephen Layton. Performed without an interval but with a couple of pauses – including a moment of meditative silence following Jesus’s death – the two-hour-long structure of choruses, chorales, arias and recitatives maintained consistent impetus and impact.

The forces used – 27 in the choir, with 24 members of the Orchestra of the Age of Enlightenment accompanying them – worked well both for the piece and the acoustic, though the orchestra’s strings were less neat in articulating Bach’s sometimes frantic figurations than the choir. The latter were on superb form, producing a bold and focused tone that gave their dramatic interventions as the Jewish crowd – a subject of fierce musicological debate in recent years, though originating in the Gospel text rather than an 18th-century addition to it – a terrifying vehemence.

The soloists formed an impressive team. Ian Bostridge’s plangent tenor brought keen intensity to the Evangelist’s intricately inflected narration, and made expressive highlights of such emotion-laden gestures as Simon Peter’s bitter weeping. Neal Davies’s substantial tone and constant engagement with the text conveyed a deeply human Christus. In her first aria, Katherine Watson’s limpid soprano was gracefully complemented by the gentle luminosity of the OAE’s flautists; the ensemble’s woodwind, indeed, were marvellous throughout.

Iestyn Davies’s mellifluous counter-tenor answered all the solo alto needs. Nicholas Mulroy made his way somewhat gingerly through his first aria, but managed the implacable requirements of the second – which would test any soloist’s breath control to the limit – with outstanding skill. Roderick Williams gave Pilate’s interrogation a steady reasonableness, while his solos were notable for their calm and resolute authority.

 

As Bach demonstrates, the great story is greater still when it’s sung


It is an amazing feeling, knowing that people have been singing their accounts of the Passion of Christ for at least 1,200 years.

On Tuesday night I sat in King’s College, Cambridge, listening to a powerful performance of Bach’s St Matthew Passion. Presented by the Chapel Choir, other Cambridge choristers, the Academy of Ancient Music, a squad of first-rank soloists and conducted by Stephen Cleobury, we were once again confronted with one of the greatest artistic achievements in history.

Why do the Bach Passions still speak to modern man? And why was the death of Jesus – rather than His joyous resurrection – the prime motivation for these masterpieces? St Paul writes, “if Christ be not raised, your faith is vain”. With that in mind, what is it about his death that has so gripped our culture?

I have just received John Butt’s book Bach’s Dialogue with Modernity. Here he examines the Bach Passions in the context of modern man’s fascination with glories past. Such masterpieces provide a firm challenge to the contemporary conceit that the modern world is always improving. The growing popularity of hearing the Bach Passions leading up to the Easter season in our “post-religious” culture is an intriguing and exciting one.

The ritualistic recitation of Christ’s crucifixion probably began in the 4th century, and the singing of the Passion narrative has been going on from the 8th century. Singing has always been central to the Church. St Augustine said that those who sing pray twice. The “song” of the Church, Gregorian chant, can be traced back to the songs of the Temple and synagogue. It is an amazing feeling, knowing that people have been singing the Passion for at least 1,200 years.

It wasn’t until the 15th century that more complex versions of a sung Passion began to emerge, the earliest example of a so-called motet Passion being attributed to Obrecht. Later there were famous examples by Byrd, Lassus and Victoria. After the Reformation, Luther’s friend and collaborator Johann Walther wrote responsorial Passions which became models for the Lutheran church. Within this environment the development of the “oratorio” Passions of the 16th and 17th centuries paved the way for J S Bach.

Before I encountered any of the great Bach Passions, I was aware of the crucifixion narratives. I’d heard them recited every year as part of the Church’s liturgy. On Good Friday we would hear St John’s account. Sometimes there would be a participatory aspect to the recitation, with the words of Christ delivered by the priest while other characters would be read by deacons or lay readers.

I have taken part in chanted Passions since my undergraduate days. Nowadays I am well used to singing the Narrator’s part in an English plainsong setting of the St John every year with a couple of Dominican friars in Glasgow, where my little choir interjects with the angry responses of the chorus. I am always awestruck at the stark, relentless nature of this way of doing it, and at the dramatic impact it has on the assembly as they relive the last hours of Christ’s mortal life.

To be honest, it is the spiritual highlight of my year, and I have real difficulty singing the final section. In the Catholic liturgy, at the words, “It is accomplished; and bowing his head he gave up his spirit”, the congregation fall to their knees and remain there in prayer before hearing the final part of the narrative, where the legs of the two thieves are broken and Jesus is pierced in his side. Joseph of Arimathea and Nicodemus then take the body away and place it in a tomb. Every year I wonder if my voice is going to crack at the final phrase, which, strangely, is the only one which blossoms into a little melisma: “Since it was the Jewish Day of Preparation and the tomb was near at hand, there they laid the body of Jesus.”

It is not just the Bach Passions that are in ongoing dialogue with modernity. The figure of Christ himself, in his death and resurrection, is in constant, uncontrollable interplay with the mind of modern man.

Last week in Cambridge, I was in conversation with academics, theologians and creative artists about the St Luke Passion, which I am now about to set to music. We all found it curious that the great historical settings of the Passion seem to fillet a portion of Christ’s life, separating it from his early ministry and the post-crucifixion story. There were liturgical reasons for this, of course – the resurrection would eventually have its own musical treatment a few days later. But Bach’s greatest music is about the destruction of Our Lord; his resurrection music is not so memorable. (This could perhaps be said about most composers.)

Modern man, now more detached from his liturgical obligations than ever before, may be able, paradoxically, to see the crucifixion in wider contexts. Can a modern composer, in setting the great tragedy of Jesus, include the resurrection, the risen Christ’s early appearance on the road to Emmaus, and even the ascension? If so, why begin the St Luke Passion at Chapter 22 when Satan entered Judas Iscariot?

These are not simple questions. The “greatest story ever told” began with a terrified Jewish girl saying yes to a heavenly manifestation which brought news of her pregnancy. Bach’s music proves that the Passion of Christ has deep beginnings and profound resonance, even for modern man: he opened up a window on the divine love affair with humanity. The greatest calling for an artist, in any age, is to do the same.

James MacMillan is a composer and conductor.

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Young Johann Sebastian Bach. 1715. Teri Noel T...
Young Johann Sebastian Bach. 1715. Teri Noel Towe seems to demonstrate that the portrait is probably not of Bach http://www.npj.com/thefaceofbach/09w624.html. (Photo credit: Wikipedia)

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El psiquiatra del barroco


Philippe Herreweghe actuará en España a finales del mes de abril.

Así como Borodin era médico y Sinopoli fue psiquiatra, el director flamenco Philippe Herreweghe ingresó también en las facultades de medicina y psiquiatría de Gante, compaginando ambas carreras con los que recibía en el Conservatorio, de piano, órgano y dirección de orquesta. Con el tiempo, y para fortuna de los melómanos, la música venció y él fundó el Collegium VocaleGent. Su profundo conocimiento de la mente y del cuerpo le han facilitado una comprensión profunda de la música, en especial la del barroco, y muy concretamente la de Johann Sebastian Bach, a lo cual ha ayudado también su colaboración con dos bachianos de excepción como Harnoncourt y el recientemente fallecido Leonhardt, con quienes grabó en los años 70 y 80 la integral de las cantatas.

Desde aquellos tiempos este adalid del historicismo ha vivido mucha música y su repertorio se ha extendido en los siglos hasta dominar Beethoven (acaba de completar en Pentatone una renovadora integral de sus sinfonías con la Royal Flemish Philharmonic) y alcanzar lejanías como Mahler y Stravinsky, pero los amores de juventud nunca mueren, y en la frontera de abril y mayo dirigirá en Vic y Barcelona a su Collegium Vocale en La Pasión según San Mateo de Bach. Su grupo se quedará en España unos días más para interpretar en Madrid un programa mozartiano bajo la dirección de Jos van Immerseel.

Herreweghe, cuyo flamante sello propio Phi demuestra su inagotable inquietud y actividad, ha lanzado recientemente al mercado un disco con obras para coro y orquesta de Brahms y dos excelentes álbumes que insisten en la maravillosa música de Bach con la integral de los motetes y la Misa en si menor. Podemos esperar un buen flujo de lanzamientos, pues el maestro belga tiene previsto grabar tres discos cada año con el Collegium Vocale Gent y uno o dos con la Orchestre des Champs-Elysées de París.

El pianista Jeremy Denk graba Ligeti y Beethoven


El pianista norteamericano Jeremy Denk, asimismo un notable escritor, ha realizado su primera grabación para Nonesuch Records, un disco que saldrá a la venta el 15 de mayo. Para su debut en Nonesuch, Denk ha elegido los Estudios de Ligeti, Libro I y II, y la Sonata nº 32 de Beethoven. En el folleto del disco, Denk justifica su elección porque “La conexión musical más significativa para mí es entre los amplios lienzos intemporales de Beethoven y los pequeños fragmentos, como picotazos, de infinito de Ligeti. Casi todos los Estudios visitan el infinito: Ligeti lo usa casi como una especie de cadencia, un punto de referencia [… En Ligeti] el infinito está siempre rondando alrededor, recordándonos que no es algo imposible, que existe. Pienso en el modo en que -entre otras cosas- Beethoven se deja ir al final de la Arietta, el modo en que indica un final sin final implica un espacio infinito de silencio que subyace bajo la obra.”

Con anterioridad, Denk grabó French Impressions, un álbum con música de Saint-Saëns, Ravel y Franck, con el violinista y colaborador habitual Joshua Bell para Sony Classical a comienzos de 2012. En 2011 grabó una selección de Partitas de Bach para Azica Records, y un disco con música de Ives para Think Denk Media en 2010, que fue bien acogido por la crítica.

Disponible nuevo PODCAST de “Grandes ciclos”: Gustav Leonhardt – Entrevista a Daniel Oyarzábal y Luis Gago


Ya está disponible el PODCAST del día 28 de marzo y su descarga:

Compartimos el último capítulo del monográfico dedicado al recientemente fallecido Gustav Leonhardt con el organista Daniel Oyarzábal y con el traductor Luis Gago. Los dos son grandes admiradores del músico holandés, al que conocieron personalmente y con el que incluso colaboraron profesionalmente. Nos hablan de la figura revolucionaria de Leonhardt en el mundo de la interpretación historicista, de su excepcional coherencia en relación a sus colegas, de las distintas facetas de su trayectoria, de las curiosas circunstancias en las que se desarrolló su funeral y de algunas simpáticas anécdotas vividas con el gran maestro.

28 de marzo: Gustav Leonhardt – Entrevista a Daniel Oyarzábal y Luis Gago DESCARGA PODCAST

Disponible nuevo PODCAST de “Grandes ciclos”: Gustav Leonhardt – Leonhardt y alumnos


Ya está disponible el PODCAST del día 27 de marzo y su descarga:

Escuchamos al maestro holandés interpretando una cantata profana de Johann Sebastian Bach: Cantata BWV 209, con la soprano Agnes Giebel, una selección de sonatas para tecla de Domenico Scarlatti y una cantata italiana de Georg Friedrich Haendel con la soprano Elly Amelling. Convocamos a dos de sus alumnos, de la primera generación a Ton Koopman (con quien les ofrecimos el Concierto para clave BWV 1058 de Bach) y de las últimas generaciones a Skip Sempé (con quien escuchamos una selección del Orden nº 3 de François Couperin).

27 de marzo: Gustav Leonhardt – Leonhardt y alumnos DESCARGA PODCAST

Disponible nuevo PODCAST de “Grandes ciclos”: Gustav Leonhardt – Leonhardt x 4


Ya está disponible el PODCAST del día 26 de marzo y su descarga:

Le escuchamos como director en la Cantata BWV 198 “Deja, princesa, deja todavía un rayo”; como organista en la Fantasía-Coral “Junto a los ríos de Babilonia” de Johann Adam Reincken; como músico acompañante en el aria Bist du bei mir de Bach, y como solista al clave en la Partita nº 1 BWV 825 de Bach.

26 de marzo: Gustav Leonhardt – Leonhardt x 4 DESCARGA PODCAST